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Neste terceiro filme da série Batman, Christopher Nolan garante um desfecho épico, com direto a redenção e uma horda de fãs deixando o cinema empolgados. Vale o preço de uma inteira? Hum, satisfação pra mim só acontece nos trechos em que Anne Hathaway dá as caras. Anne encarna o símbolo de independência e não-submissão feminina com tiradas cáusticas e é uma maravilha vê-la exibindo as curvas naquele colant negro. Quando se curva então para pilotar aquela moto do morcego, vixe!
Nolan não consegue esconder a pressão de superar o capítulo anterior. Sua direção é tensa. Falta-lhe agilidade para ligar as muitas pontas soltas das suas várias histórias cruzadas. Na prática, deparamos com um drama típico deste tipo de “franchises”: mesmo quando integram cineastas de indiscutível talento, há nelas um “caderno de encargos” que contraria a fruição das emoções que colocam em jogo. Afinal de contas, o trabalho de Nolan é todo pontuado por este pressentimento, estranhamente sensual, de que o mundo pode-se desagregar a qualquer momento (de Memento ao festejado “A Origem” o foco é sempre este).

Cavaleiro das Trevas

Mas aqui há algo que não combina bem na transição para um cenário quase real de um herói tão estilizado como Batman. Gotham City facilmente poderia ser uma Chicago ou Nova York e toda a teia de intrigas políticas, econômicas e sociais tem paralelismos com a atual conjuntura. A escala do filme é enorme, tanto em termos visuais como de narrativa e é exatamente aí que a coisa desanda: a ênfase é colocada nos problemas da cidade, o que acaba por fazer com que o herói pareça destoado no meio de tudo isto; a certa altura já não estamos num filme do Batman, mas num policial recheado de heróis e vilões normais: neste filme, mais do que nos outros, a cidade surge como a personagem principal.
No fundo, a visão de Nolan é demasiado séria para o seu próprio bem. Como é que se pode abordar as maquinações da Bolsa de Valores, a riqueza ilícita, o capitalismo desenfreado e a corrupção das instituições e a seguir inserir um contexto tão maniqueísta com um vigilante mascarado repleto de gadgets hi-tech e um bandido que parece saída da arena de Gladiador?
Talvez seja uma forma de confortar as audiências, mostrando uma clarificação do bem e do mal. Coisa que soube evitar de forma inteligente em “O Cavaleiro das Trevas”, mas nesse aqui não teve jeito.

É um prazer ver neste “Lopper – Assassinos do Futuro” o reencontro do cinema americano com o que John Carpenter, James Cameron e George Miller faziam nos anos 80. Não eram tão originais, e é certo, abusavam da pirotecnia como agora, mas havia algo mais, um fascínio pelo engenho, pelo prazer do lúdico, pelo faz de conta. Além disso, eram grandes narradores, usavam os mesmos ingredientes de sempre para criar algo de novo, respeitando os códigos ao mesmo tempo que os manipulando e distorcendo.

Looper – Assassinos do Futuro

“Looper” é o passo seguinte dessa desconstrução, um western policial futurista a meio caminho entre o Ray Bradbury do Som do Trovão e o fantástico La Jetée de Chris Marker e da sua reinvenção por Terry Gilliam em 12 Macacos (aliás, nem falta Bruce Willis).
A história acontece entre dois tempos, 2034 e 2074. Em 74 se torna possível viajar para o passado. Poderosas organizações criminosas usam as viagens para “eliminar” quem mais lhes convém. Não só enviam os desafetos de volta trinta anos antes, criam no passado um grupo de assassinos para limpar qualquer vestígio de existência desses desajustados.
Joe (Joseph Gordon-Levitt) é o jovem do passado, que ganha a vida matando literalmente os homens do futuro. Sua vida vai bem até que descobre que o próximo alvo que lhe é atribuído é ele próprio, 30 anos mais velho (papel feito por Bruce Willis).
A isto chamam no filme “fechar o loop”, “fechar o ciclo”. Ou seja, depois de cumprir várias execuções, a missão final de um looper é encontrar a sua versão do futuro e se matar.
O interessante é que o jovem Joe sabe que em trinta anos vai perder tudo e aceita o destino. Já o Joe mais velho não quer obedecer o procedimento. Deste impasse, o filme evolui para uma ação desenfreada, que desorienta até a noção de bem e do mal muito freqüente neste gênero. Chega um ponto em que o herói vira o vilão, depois tem uma criança que parece o Amti-Cristo, depois… bom não vem ao caso. A narrativa é de primeira, a câmera passeia entre os dois tempos, captando o ambiente futurista, cheio de detalhes curiosos, pequenos tiques, objetos e rimas visuais bem compensadas pela montagem dinâmica e fluída.
Por fim, Looper não cede à tentação obsessiva de se auto-explicar. Neste sentido, o filme é quase um anti-A Origem. Não arma esquemas para fazer a platéia entender, nem subestima o espectador. Apresenta as linhas básicas da ideia e a partir daí diverte-se em seguir as regras ou subvertê-las, criando em segundo plano um interessante mundo real.
É uma bela pedida.

James Bond celebra 50 anos e o céu não cai pra ele, como o título inicialmente pode prever. Monossilábico, espirituoso, Bond apanha mas nunca esteve tão na estica. Sofisticado, brutalmente implacável, vestido por Tom Ford.
A comemoração aliás rodeia-se de bons meios de produção e gente ilustre (atrás e à frente das câmaras).
E o resultado?

James Bond


É quase tão empolgante quanto “Cassino Royale”, o filme que colocou a franquia nos eixos, inserindo James Bond no compartimentado e tecnológico século 21. Em “Skyfall”, Bond e o MI6 movem-se num novo mundo, onde a nacionalidade e rosto do inimigo mudaram, bem como na forma de combatê-lo. O herói sente-se um brucutu no meio das gadgets novas, tenta passar por cima da pirralhada que assume o controle, mas é zombado a altura: “Meu velho, de pijama no meu quarto, consigo fazer mais estragos em uma hora, do que você fez como agente em toda sua carreira”, diz o novo e imberbe “Q”.
Enfim, Bond se revela mais humano, frágil e falível e pra aliviar o stress, só lhe resta beber seu drink favorito, pilotar o Aston Martin DB5 – sim, o de “Goldfinger” -, e buscar nos métodos “old school” uma forma de se reinventar.
A entrada do vilão em cena, aliás, empurra o filme para uma maior densidade emocional. Javier Bardem brinca com o papel de vilão e se diverte criando o momento mais homo-erótico da saga. E o diretor Sam Mendes surpreende com os seus dotes para cenas de ação. Se, por um lado, mostra destreza para as cenas de ação (a sequência de abertura, em Istambul, é exemplar neste sentido), não se inibe de grandes momentos de “mise en scéne” (a cena, em Xangai, no edifício “transparente”, num hipnótico festival de luzes, cristal e sombras – a trazer à memória a cena dos espelhos no final de “The Lady from Shanghai”).
E o filme vai mantendo essa energia até que, curiosamente no rolo final Sam Mendes parece tropeçar. Quando Bond percebe que não consegue vencer o vilão no terreno tecnológico, decide atraí-lo para a fazenda Skyfall. Longe da ultrassofisticada rede de informações, o duelo entre o herói e seu arquiinimigo soa coerente, mas a direção de Mendes entra no piloto automático. O clímax é filmado de forma mecânica, sem esmero, sem paixão. Ao estabelecer a ordem da franquia nas cenas finais, Mendes parece se constranger. Deixa tudo arrumadinho para confortar os fãs, mas a inspiração parece abandoná-lo, talvez porque o que verdadeiramente sempre interessou no cinema desse diretor foi a inquietação, o caos do mundo contemporâneo.
É nesse ponto que percebo como durante toda a projeção estava torcendo para o céu cair para o herói. Seria muito mais ousado manter James Bond no terreno da vertigem. Atual e menos artificial. Não foi desta vez. Ouvir a clássica musiquinha da série no final me deixou frustrado, mas para os fãs é reconfortante. Não é mais que isso que eles esperam.

Hamilton Rosa Jr. – Jornalista e Crítico de Cinema, Filmes Nacionais e Estrangeiros, DVDs, Blu-Ray, HD-TV, Entretenimento, Cults, Preview, Estréias, Mostra, Festival.

A aventura em clima cerimonial da transposição de Peter Jackson para O Senhor dos Anéis hoje me faz coçar a cabeça desconfiado. E acho até curioso que não apareceu nenhuma sátira contundente ao excesso de heroísmo e gestos grandiosos dos personagens, porque Jackson levantou respeitosamente a bola, e ninguém cortou como podia (que saudades da turma do Monty Python!).

O Hobbit

Pois agora temos novas chances com “O Hobbit” e elas são maiores.
Se havia um mérito na saga cinematográfica anterior é que se sentia o empenho, a paixão do ou tudo-ou-nada para garantir que finalmente a obra de Tolkien chegasse ao cinema. Aqui, nada disso: fica-nos a dúvida sobre se as considerações artísticas de fazer justiça ao Hobbit chegaram primeiro ou foram as considerações comerciais de assinar outro blockbuster de prestígio (coisa que, há dez anos, estava longe de ser garantida).
A produção é caprichada e bem polida, mas já sabemos onde vamos e procuramos o sentido de diversão, numa narrativa que custa a desenrolar. Estão lá o velho Gandalf (um Ian Mckellen simpático até quando interpreta no piloto automático), o bondoso Bilbo Bolseiro (Martin Freeman se esforçando para garantir o carisma), e treze anões feios sujos e desajeitados, que podiam ser muito engraçados, mas são pouco.
É verdade que o legado de Tolkien permitiria outra dimensão de espetáculo e diversão. E não menos verdade que, em breves momentos (em especial em torno do bizarro Gollum, o “boneco digital” fabricado a partir da composição de Andy Serkis), compreendemos que há, aqui, muitas potencialidades que ficam por explorar. Mas Jackson não consegue ir além. Percorre o caminho sem um rasgo, sem uma surpresa, sem qualquer efeito que marque a diferença.

Se o Django original de Sergio Corbucci parecia um anjo vingador com uma metralhadora giratória em punho e os olhos faiscantes de Franco Nero, o Django de Tarantino não tem nada de anjo, é um ex-escravo truculento (Jamie Fox) com um colt ponto 45 na mão e uma pontaria assombrosa. Adora atirar no baixo ventre dos branquelos. Veste roupas berrantes, óculos escuros e salta pro cavalo como se fosse ver um show do James Brown. Tarantino pouco se lixa para verossimilhanças e menos ainda para manter a tradição do gênero western.

amarras em Django

Seu Velho Oeste é muito particular. Não tem índios em cena. Esses já foram dizimados na época em que acontece a história de Django Livre (1859, dois anos antes da Guerra Civil). Também não tem aquele clima mitológico, mesmo porque ninguém mais tem saco pra aguentar a versão de que os Estados Unidos foram uma nação construída em clima de epopéia. Nem xerife do bem. Tarantino já começa seu filme ridicularizando o homem da estrela no peito. O racista entra no saloon para expulsar o negro que se atreve a beber cerveja onde só é permitido brancos, e morre antes de dizer sua terceira fala. O temível barão de gado (Don Johnson) também se atreve, e Django o espinafra. Nada, aliás, é temível no filme, nem a ku klux kan bota panca. Parecem um bando de patetas, imcompetentes até na hora de fazer os furos nos sacos que cobrem a cabeça. Tem uma cena digna de Monty Python, o bando mal consegue perseguir Django porque não enxerga nada.
Pradarias contemplativas então? Ah, isso ficava bem nos filmes do Sergio Leone, Tarantino se apressa nestas partes.
O Velho Oeste neste Django é feio, sujo e livre. E a ironia: quem conta a história é um alemão pouco confiável. Lembra de Christoph Waltz, o general nazista de Bastardos Inglórios? É uma primazia de Tarantino colocá-lo em cena. É como se Waltz tivesse saltado daquele filme para esse e simplesmente tirado a farda. O alemão captura nossa atenção e nos convida para participar de uma aventura, como se ele fosse Virgilio e nos tivesse conduzido pelos círculos do inferno de Dante.
Waltz exala a simpatia de um diabrete, falando de alta civilização e de lendas germânicas, mas sendo logo desmascarado pelo modo impiedosoa como mata e caça seus alvos. Quando Django vacila em matar um homem na frente do filho pequeno, o alemão lhe fala em negócios e clama para Django largar de frescura e matar logo o cara. Não há pistoleiros em cena, mas sim um desfile de sociopatas um mais imprevisível que o outro.
Tarantino joga na sua coqueteleira todos os elementos do faroeste tradicional, bate com gelo e serve em copos sem açucar. E também sem medo de botar refugos, sem medo de brincar, ou fazer pastiche.
Como o personagem de Jamie Fox, esse Django é realmente um filme livre de amarras. E também um dos mais divertidos do diretor. A habilidade de Tarantino funciona em perfeita sintonia com suas obsessões. Chega a mesclar trilha de western spaghetti, com hip hop e soul music para descobrir melodias que funcionem como contraponto para a ação que rola na tela. E cenas longas e estranhas que pulsam com um potencial de violência de perder o fôlego. A sequência final no lar do senhor de escravos vivido por Leonardo DiCaprio consegue ser ao mesmo tempo engraçada e chocante, pela forma brutal como os personagens derrapam no chão de sangue.
Dizer que o filme é uma ode a vingança contra o racismo, tá evidente na ação. Não é o que verdadeiramente dá prazer em ver nesse Django. Tarantino nunca explora o significado profundo do mundo que mostra, mas sim o de como pode ser amoral e anárquica a vida dentro dele. E então convida o espectador a abrir os olhos pra viajar dentro de suas sangrentas pradarias.

A obsessão com que Kathryn Bigelow detalha a missão de caça a Osama Bin Laden chega a irritar neste A Hora Mais Escura (Zero Dark Thirty). Sua heroína – Maya (Jessica Chastain), a agente da CIA que não descansa enquanto não chega ao “fim da linha” – parece um míssil teleguiado, deixa pelo caminho tudo aquilo que não seja essencial ao seu objetivo: acompanhar o percurso que levou os serviços secretos americanos ao complexo de Abbottabad onde Osama bin Laden se escondia.

Nas mãos de Bigelow


O filme gera a expectativa e ficamos na ponta da poltrona aprensivos e ao mesmo tempo maravilhados com a forma aguda como Bigelow investe no tema e endossa a autenticidade da sua recriação filmando inclusive em locais reais. A diretora, por sinal, se vale da moderna técnica do new journalism para esmiuçar os pormenores da investigação e da captura. Tudo é compilado, detalhado, e a atenção tem que ser redobrada para não perder um lance, afinal os personagens, muitos deles também inspirados em figuras reais, na maioria das vezes dizem uma coisa e fazem outra.
O filme se abre a subtextos , mas eles nunca são esfregados na cara. Maya é fria e agressiva nos seus propósitos, porque num mundo de militares, coração e alma a colocariam em desvantagem. A primeira parte do filme tem sequências duras de tortura e num momento ousado vemos Barack Obama fazendo uma declaração na TV dizendo ser inadmissível a tortura em seu governo. Detalhe: os torturadores americanos da CIA assistem o pronunciamento silenciosos.
Se existe algo que incomoda é a forma como Bigelow a certa altura puxa a sardinha pelos EUA. Quando os americanos começam a exagerar na tortura, ela dá sempre um jeito de encaixar uma cena de atentado para justificar a ação da CIA. Na contabilidade: são quatro cenas de tortura, pra seis de atentados.
O terreno em que Bigelow é bamba é o da ação e quando chega a hora, a moça mostra que não está pra brincadeira. É fascinante como ela se deleita com a logística militar, com a movimentação organizada dos soldados, a formação de ataque dos helicópteros. Depois como alterna planos e ângulos, levando-nos a experimentar a sensação crescente de tensão, tateando quartos escuros apenas com visão de infra-vermelho.
Tatear um perigo que não se vê, eis o grande terror que assombra a superpotência.
Baixada a poeira, corpos ensanguentados no chão. A conclusão já é conhecida e aqui é mostrada com uma secura, que logo na saída me frustrou como espectador. Só depois me dei conta de que a frustração é calculada, provoca angústia, o vazio e ecoa sem solução por todos os lados.

Sei que ando mais sumido que o Fantasminha, mas estou de volta e seja lá o que Odin quiser.

The Boys

E nada melhor para voltar com estilo do que falando da série The Boys, fruto da mente mais insana das HQs: Garth Ennis.

The Boys mostra um mundo onde os heróis são extremamente materialistas e egoístas, pensando somente em dinheiro, drogas, poder e sexo, não importando se para isso pessoas inocentes sejam mortas.

A história gira em torno de um grupo de heróis chamado The Boy, que foi criado pela CIA que tem como missão controlar os outros heróis. E se para isso for necessário matar alguns deles, The Boys tem carta branca para fazer o necessário. A equipe é formada por Billy Açougueiro, Huguie Mijão, Francês, a Mulher e Filhinho da Mamãe.

Garth Ennis já tinha demonstrado um certo “descontentamento” (para não dizer que ele realmente não gosta) com as histórias de heróis com o especial A Prô, de 2002, onde uma prostituta de rua ganha superpoderes e se junta a um grupo de heróis que lembra muito a Liga da Justiça.

Em The Boys, Ennis mostra um mundo onde os heróis não são apresentados como salvadores da humanidade, mas sim pessoas que tem seus próprios ideias e não se importam muito com que os outros pensam. E para enganarem o público, contam com grande equipes de marketing, assessoria de imprensa e relações públicas. Sem contar o apoio de uma empresa, que na verdade está manipulando não só os heróis, mas como também a Casa Branca.

Ele também traça uma linha do tempo mostrando como os heróis estiveram envolvidos em vários momentos chaves da história recente, inclusive no atentado de 11 de Setembro.

A violência, as drogas e o sexo também são retratados nesse mundo como coisas normais.  E por causa desse quadro pintado por Garth Ennis, The Boys quase morreu na edição 6.

Acontece que a série começou a ser publicada pela WildStorm, que é de propriedade da DC Comics. Mas após a sexta edição, a DC resolveu cancelar a série. Mas como o direito dos personagens pertencia a Ennis, ele conseguiu continuar a publicar no selo Dynamite.

The Boys também teve alguns arcos paralelos, sendo o melhor o Herogasm, uma espécie de retiro que todos os heróis fazem para poder transar sem parar. O mais legal é que para poder despistar o público, eles fingem que todos os heróis do mundo vão enfrentar um mega inimigo que pretende destruir o universo (se você pensou em qualquer mega saga tipo Guerras Secretas ou Invasão, você está certo). Infelizmente The Boy chegou ao fim na edição 72.

Para ler The Boys, você tem que aceitar um novo mundo, que foge dos heróis certinhos que existem por aí e entrar de cabeça na insanidade maravilhosa que somente Garth Ennis consegue produzir.

Aqui no Brasil The Boys teve seus três primeiros arcos publicados pela Devir. E se você der um pulo na lojinha do Cruzador vai encontrar a primeira edição por um preço bem batuta!

Salve galera.

Existem alguns personagens que não nasceram para serem escritos por qualquer roteirista encostado na redação.

Isso não quer dizer que qualquer um possa escrever um roteiro do Homem Aranha ou do Batman. Mas estou dizendo que certos personagens merecem um nome melhor. Principalmente os personagens místicos.

Podemos abrir esta lista com o Dr. Oculto. Ele aparece pouco nas histórias “comuns” da DC, mas é um personagem de destaque nas publicações da Vertigo. O problema é quando ele deixa às páginas da Vertigo, suas aparições são péssimas. Por exemplo, quando ele explicou para o Super-Homem porque ele não tinha morrido após enfrentar o Apocalipse. Ele surge do nada e parece ser um tremendo sabe-tudo. E seu poder aparentemente não tem limites. Por sinal, quando é mostrado o primeiro encontro dele com o Super-Homem novamente parece que ele é uma versão turbinada de John Constantine.

Não é preciso dizer que o personagem foi redefinido quando passou pelas mãos de Neil Gaiman, que o fez membro da Brigada dos Encapotados durante Os Livros da Magia.

O mesmo aconteceu com Zatanna. Quando mostrada em Os Livros da Magia, ela é uma maga extremamente poderosa, que conhece o submundo da magia do universo DC. Já nas histórias do Batman e da Liga da Justiça, ela é uma personagem caricata, que usa uma roupa colada e cartola e varinha, para poder usar seus poderes. Quase como se tivesse saído de um livro do Harry Potter.

Quem tem uma história parecida é o Homem-Animal. Durante muito tempo ele foi um personagem de segunda linha da DC, até cair nas mãos de Grant Morrison. Tá certo que depois que Morrison saiu da revista, ele novamente foi esquecido, mas durante esse período ele se tornou talvez uma das melhores publicações da DC durante a década de 90.

Na Marvel podemos citar o Dr. Estranho. Quando Roger Stern escreveu “Triunfo e Tormento”, história que mostra o Dr. Estranho ajudando o Dr. Destino a salvar a alma de mãe de Destino do Inferno, o personagem tem uma profundidade e um conhecimento que nenhum outro personagem do Universo Marvel tem. O próprio Destino reconhece isso, tendo que recorrer à tecnologia para tentar ao menos igualar seus poderes com os de Estranho.

Mas agora quando o Dr. Estranho aparece nas histórias dos Vingadores ele serve apenas para abrir portais e salvar os personagens principais.

O mesmo que acontece com a Feiticeira Escarlate. Ela sempre ficou em segundo plano dentro dos Vingadores, sendo que seu maior destaque foi quando ela casou com o Visão. Mas quando John Byrne assumiu Os Vingadores da Costa Oeste, ele deu a personagem uma dimensão que ela nunca teve. E isso mudou a opinião de muita gente (inclusive a minha) sobre ela.

Aos fãs de Hobbit uma pequena referência em sua  homenagem com a frase “Lá e de volta outra vez” para falarmos sobre os recentes lançamentos nacionais  de mangás, que podem até desagradar alguns e enlouquecendo a maioria por mais conteúdo. Agora vamos entender um pouquinho do que está acontecendo no mercado atual, para ver se vale a pena comprar todas essas novidades. Lembrando que essa é a minha opinião e não necessariamente a verdade sobre o universo, até mesmo por estarmos num Cruzador e conhecermos diversos universos possíveis.

Se você entrar numa banca de jornal ou comic store hoje em dia você verá Cavaleiros do Zodíaco, Dragon Ball, Sakura Card Captors, One Piece, Evangelion e para os próximos meses deve encontrar Samurai X (Rurouni Kenshin) e possivelmente algum outro título que ainda vai ser anunciado em breve. Todos eles com novo formato, capa, tradução e trabalho editorial, sem contar a mudança drástica em Sakura com páginas coloridas, novo papel e tradução. O que isso significa? Que você está velho. Sinto informar, mas quando você viu um “original” e já está passando por um reboot, é sinal de que você começou a ficar velho.

A estratégia das editoras JBC e Panini é de conquistar o novo público! Se já lemos e compramos no início dos anos 2000, agora chegou a vez de quem ainda não conhecia ou nem tinha idade para ler, conquistando um público maior ainda. Para explicar e ter um motivo, as editoras investem em renovação de papel e trabalho editorial, além de corrigir a “bobeira” de se dividir um volume japonês em duas publicações brasileiras. Tudo isso acaba servindo de motivo para inundarem as bancas com relançamentos, isso sem contar o fato da   editora Conrad ter deixado de publicar os seus mangás no mercado brasileiro.

E o que nós temos com isso? Simplesmente nada. O único problema é que muitos vão comprar o que já foi comprado uma vez, por causa do novo visual e trabalho, porém a maior implicação está na falta de novos títulos devido à demanda e questões contratuais. Se pararmos por um minuto e analisarmos os lançamentos realmente interessantes vamos ver que muito do que já saiu e ainda vai sair pouco importa para o público mais velho/exigente, mas acabam vindo no pacote de contratos assinados com o Japão, e acompanham a tendência atual e conquistando a maioria dentro desse público-alvo. Para quem leu a notícia sobre o lançamento de RG Veda e acompanhou a saga que foi durante mais de uma década por esse título, sabe que dificilmente verá um mangá do mesmo estilo e idade que tenha público aqui no Brasil sendo traduzido.

Sabe aquele seu animê preferido que você assistia na Rede Manchete? Dificilmente o mangá dele será lançado no Brasil. Se conforme com isso. O grande problema está em acompanhar o boom que o estilo de quadrinhos acabou tendo no mundo inteiro. Essa febre (que não termina) faz com que os principais lançamentos cheguem desse lado do planeta muito mais rápido e os títulos mais antigos venham a nado para cá. Não que sejam ruins, mas concordamos que muita coisa antiga e boa ficou para trás sem o devido tratamento e atenção no Brasil. Sem contar os cancelamentos, atrasos e títulos anunciados e que nunca vimos o lançamento.

Qual mangá você tem esperança que seja lançado no Brasil? Não deixe comentar, quem sabe não damos aquela mãozinha.

Saudações tripulantes que adoram estourar olhos de lula!

Se você cresceu nos anos 80, com certeza acompanhou as aventuras oníricas de um garoto e seu tigre de pelúcia nas tiras de seu jornal preferido.

Calvin e Haroldo

Quando seu criador Bill Waterson disse que não tinha mais o que falar sobre o personagem o mundo sofreu com a perda da tira e de seu artista, que se tornou um recluso desafeto a dar entrevistas. Mas a tira deixou fãs que compram álbuns e releem as amalucadas aventuras.

Um dos fãs, um tal de Leonardo DiCaprio, resolveu fazer um documentário sobre o criador e sua criatura.  E ele não está só. O filme denominado “Um garoto e seu tigre” terá um roteiro adaptado por Dan Dollar produtor da cine série Sherlock Holmes e fará um apanhado da década em que as tiras do personagem foram publicadas e contará o esforço do cartunista para lidar com o repentino sucesso.

O projeto é da Warner e ainda não tem nenhuma data de lançamento anunciada.